Rainer Böhm Sextet – Live at the Bird’s Eye

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Dieses Live-Album ist Musik, die sich ganz aus dem Moment heraus entwickelt. Voller Emotionen, voller unerwarteter Wendungen – wie ein Leben: ereignisreich und viel zu schnell vorbei.

Nach dem erfolgreichen und von der Kritik gelobten Debütalbum What If, das mit dem HI FIVE Jazz Award ausgezeichnet und in die Bestenliste der deutschen Schallplattenkritik aufgenommen wurde, erscheint nun das erste Live-Album des Rainer Böhm Sextets. Nach mehreren Jahren gemeinsamer Konzerte auf renommierten Festivals und in Clubs – unter anderem beim Jazzfest Berlin und dem Jazzfest Bonn – entstand diese Aufnahme im Winter 2024 an zwei Abenden im Bird’s Eye Basel.

Das Album fängt die große Kreativität der einzelnen Protagonisten sowie deren Spielfreude und Energie ein. Die Stücke erhalten viel Zeit, sich zu entfalten. Längere Solopassagen, größere Freiräume für Improvisation und ein intensives Zusammenspiel lassen ausladende Spannungsbögen entstehen, die sich von Abend zu Abend neu entwickelten. Gleichzeitig bleibt die intime Atmosphäre des Clubs stets fühl- und hörbar. Sechs starke musikalische Persönlichkeiten treffen hier ohne Kompromisse aufeinander. Gerade weil jeder eine unverwechselbare Stimme besitzt, entsteht ein Bandsound, der sich aus hoher Individualität speist. Rohe Energie und Expressivität stehen neben Sensibilität und Teamplay. Jeder Musiker versteht es auch, sich zurückzunehmen, den anderen Raum zu geben und im richtigen Moment selbst in den Mittelpunkt zu treten. Dieses wertschätzende Miteinander prägt die Musik ungemein.

Die Kompositionen von Rainer Böhm bewegen sich häufig in feinen Nuancen zwischen Melancholie und Sentimentalität. Gerade in der Gefühlsechtheit liegt die besondere Qualität dieser Musik: Sie wirkt offen, unmittelbar und berührend, ohne dabei je ins Pathetische zu geraten. Stücke wie Komunikado und The Way You Think sind bewusst schlicht angelegt und eröffnen der Band große gestalterische Freiräume. Die individuelle Sprache jedes Musikers wird so Teil der Komposition selbst. Andere Stücke wie CSD oder March sind stärker ausgearbeitet und geben den musikalischen Verlauf deutlicher vor.

Rainer Böhms Spiel ist fließend, expressiv und reich an klanglichen Texturen. Die starke Melodik und Gesanglichkeit seiner Linien stehen dabei stets im Vordergrund. Seine technische Souveränität eröffnet ihm nahezu unbegrenzte Möglichkeiten, doch Virtuosität wird nie zum Selbstzweck. Entscheidend bleiben immer der musikalische Ausdruck und der Gesamtklang der Band.

Eine besondere Rolle spielt der Bläsersatz mit Percy Pursglove, Wanja Slavin und Domenic Landolf. Drei sehr unterschiedliche musikalische Persönlichkeiten treffen aufeinander. Ihre individuellen Klangfarben ergeben einen homogenen, gleichzeitig vielschichtigen Satz voller Ecken und Kanten. Domenic Landolfs zurückhaltende Persönlichkeit spiegelt sich auch in seinem Spiel wider. Seine musikalische Exzellenz offenbart sich im Detail. Wanja Slavin hingegen entwickelt auf dem Altsaxophon eine große emotionale Direktheit und zieht einen mit seinem unverwechselbaren Klang sofort in den Bann. Percy Pursglove verbindet große Spontaneität und Kreativität mit einer außergewöhnlichen instrumentalen Beherrschung.

Arne Huber und Rainer Böhm verbindet eine lange, tiefe musikalische und persönliche Freundschaft. Er schafft den Raum, in dem sich seine Mitmusiker frei entfalten können. Jonas Burgwinkel unterstützt dies mit seinem hochkreativen Schlagzeugspiel, das gleichermaßen begleitet, kommentiert und ständig neue Impulse gibt. Er fordert seine Mitmusiker heraus und spannt dabei ein dichtes, pulsierendes rhythmisches Netz.

Einblicke in einzelne Stücke:

March entstand im gleichnamigen Monat und greift die Doppeldeutigkeit seines Titels auch im Groove des Schlagzeugs auf. Die Komposition ist der Besetzung nahezu auf den Leib geschrieben. Wanja Slavin und Domenic Landolf eröffnen das Stück mit einer kontrapunktischen Bläserlinie, deren Spannung den melancholischen Charakter der Komposition noch verstärkt, während Percy Pursglove die Melodie mit einer Selbstverständlichkeit interpretiert, als hätte er sie selbst geschrieben. Das erste Solo spielt Wanja Slavin. Er knüpft unmittelbar an die emotionale Grundstimmung des Stücks an und entwickelt sie mit großer Intensität weiter. Rainer Böhms anschließende Improvisation führt durch unterschiedlichste klangliche Räume: flirrende, beinahe impressionistische Arpeggien wechseln mit akkordischen Passagen, klar phrasierte melodische Linien mit rhythmisch freieren, stets im Puls verankerten Phrasen. Immer wieder schält sich aus dieser Vielschichtigkeit eine unausweichliche Melodie heraus, bei der die Fäden zusammenlaufen. Am Ende verdichtet sich die Musik zunehmend und mündet in ein Finale, das die zuvor aufgebaute Spannung aufgreift und dem Stück einen beinahe hymnischen Abschluss gibt.

Nebula Hymn verfolgt den entgegengesetzten Ansatz. Die reduzierte kompositorische Anlage schafft bewusst Freiräume, in denen sich die Individualität der Band entfalten kann. Das Stück beginnt im Trio, bevor die Bläser nach und nach hinzukommen. Am Ende verdichten sich die Stimmen zu einem polyphonen Satz, in dem jeder Musiker seine eigene musikalische Handschrift einbringt. Währenddessen durchziehen polyrhythmische Überlagerungen zwischen 3/4 und 5/4 das gesamte Stück – kaum wahrnehmbar, aber stetig präsent. Sie sind kein Effekt, sondern Teil eines rhythmischen Geflechts, das das Ensemble trägt und die Musik unmerklich in Bewegung hält.